▼ STUDIO VISIT - ALICIA AYANEGUI

"Esta pieza es parte de la serie "Fragmentos que reconstruyen espacios" apoyado por Jóvenes Creadores del FONCA 2020. En ella el motivo es el final de la cena y la ausencia de quien ocupó, además de metáforas del tiempo que son evidentes en la condición de las sillas.

En ella tardé aproximadamente dos días preparando el soporte y otro día para pintarla, ha sido trabajada desde bocetos y algunas ideas previas que me ayudaron a llevar la pieza a una escala mayor.

En mis últimas piezas he generado un contorno de la pintura que no llega a los bordes, respetando un amplio contorno blanco que me remite a la estética de fotografías instantáneas o antiguas, con esto busco jugar un poco con el soporte y con mi idea preconcebida de él."

▼ STUDIO VISIT - MARELA ZACARÍAS

Marela Zacarías produjo las obras de su más reciente exposición "Llanuras levantadas por las olas" en su estudio en Cuernavaca, México.

El proceso de elaboración de estas piezas es muy complejo, primero se producen en malla metálica y se moldean poco a poco con yeso. Posteriormente se lijan para que queden sólidas aunque por dentro son huecas, esto hace que su peso sea ligero.

El movimiento de estas esculturas se logra cuando Marela manipula la malla, una vez que éstas se solidifican la artista elige los patrones geométricos y los colores para pintar cada obra.

La inspiración para las esculturas de "Llanuras levantadas por las olas" reside en los colores del agua y la naturaleza.

▼ CONVERSACIONES EN CUARENTENA - MIMI LAQUIDARA

¿Qué influencias tempranas tuviste con respecto al arte?

Cuando era niña, tendría 8 años, mis padres tenían una librería. Ese lugar funcionaba para mí como un gran supermercado en donde todo el tiempo tomaba lápices, pinturas, hojas, fotocopiaba dibujos, los redibujaba, hacia collages. La posibilidad de tener tantos materiales a mi alcance abría un taller improvisado y casero, en donde desplegaba todo y me dedicaba la tarde entera a experimentar. La ciudad donde vivía no tenía sitios para visitar exposiciones, así que había que arreglarse con lo que había. También los viajes en donde para pasar las horas dibujaba el paisaje que iba viendo por la ventana. Tengo buenos recuerdos sobre estos momentos, creo que ya se iba afinando de a poco el sentido de la observación. Mucho tiempo después vino una decisión consiente y enfocada de estudiar artes.

¿Cómo definirías técnicamente tu trabajo?

Trabajo con estilógrafo y tinta negra para dibujar. Realizo intervenciones pictóricas en el espacio. Tomo fotografía. Hago esculturas. Aunque intento no definirme con una técnica, depende mucho de los proyectos en los que voy trabajando. Me gusta moverme de un medio a otro. Pensar la escultura desde una fotografía, la pintura desde una intervención, el dibujo desde la instalación o viceversa. Siempre llevo conmigo un block de dibujo, un estilógrafo y una cámara de fotos.

¿Cómo es tu proceso creativo cuando produces?

Dibujo mucho, mucho tiempo. Siempre trabajo en un dibujo hasta que esté terminado, para luego pasar a otro. Una cadena de dibujos. El proceso del dibujo es medio meditativo, suelo dibujar es silencio, eso me permite concentrarme. Es como si el dibujo me absorbiera. Pienso en el dibujo, pienso en su relación con otras obras, pienso en lo que estoy dibujando. Se vuelve un tiempo de reflexión. Creo fielmente que el dibujo es una forma de adquirir conocimiento. Entonces, dibujo para conocer o para entender. Como una forma de acercarme a las cosas, de relacionarme con lo otro y establecer vínculos con lo que nos rodea.

¿Qué tipo de documentación te ayuda en tu proceso creativo?

Hay un proceso de observación de las cosas, una búsqueda constante que sucede todo el tiempo. Voy armando un mapa conceptual en donde relaciono los productos y objetos que voy encontrando en mis recorridos. De esta forma se vuelven como piezas de un rompecabezas, que de a poco, se van encastrando unas con otras.

¿Qué grado de planificación o azar hay en tu obra?

Considero clave la intuición y el azar, son como corazonadas repentinas que aparecen ante determinadas situaciones, objetos, sensaciones materiales que hacen ir por un lado y no por otro. Escuchando estas corazonadas creo que queda abierta la posibilidad de nuevos caminos. Luego viene una planificación más rigurosa.

Cuando seleccionas los materiales que usas en tu obra. ¿Qué es más relevante: la apariencia visual u otras cualidades como el significado simbólico, durabilidad, fácil manipulación? Creo que un material puede ser cualquier cosa de lo que nos rodea. Desde un río, un pedazo de madera descartado o el camino que me lleva de mi casa a otro lugar. Generalmente empiezo por leer los objetos con los que me encuentro o la forma que habitan el espacio que transitamos cotidianamente, la memoria física de los lugares, preguntarme por el origen de las cosas o los destinos truncados de las mismas.

En mis series de dibujos busco objetos y productos que forman parte del terreno de lo cotidiano, de lo que está dando vueltas en los mercados o tianguis. Me interesa pensar que esta selección habla de combinaciones azarosas y mínimas de estos objetos, y que logran configurar nuevas percepciones de los mismos, poniendo también en juego su uso y sus nombres. Proporcionando, de alguna forma, nuevos reencuentros. Esta selección a veces se da por su apariencia visual, por su significado simbólico, por una mezcla entre ambos. También por su relación con otro dibujo.

¿Hasta qué punto crees que la técnica utilizada condiciona la obra de arte? ¿Tu obra se ha visto influenciada por el impacto del COVID-19?

La técnica utilizada para desarrollar una pieza nos habla, inseparablemente, de su composición, de su cuerpo. Nos da contexto, nos da materiales, nos da ideas, sensaciones. Condiciona en el sentido que la compone o define, en muchos casos, material y simbólicamente.

En estos tiempos de Covid 19, tengo mucho más tiempo para dibujar, pero menos espacio. Mis pensamientos y reflexiones se volcaron más hacia el espacio íntimo de la casa, la forma de ocuparlo y pasar todo el día en el. En lugar de mirar hacia afuera, la mirada está adentro. Quizás a modo de resguardo e introspección.

¿Consideras el espacio expositivo un material más para tu obra?

Creo que el espacio expositivo es siempre una parte a considerar. Termina por resignificar muchas veces obras que se van emplazando en diferentes lugares. Genera nuevas posibilidades de lecturas, de montajes, de movimientos.

También hay muchas piezas que nacen de un lugar específico o que determinan ir por un lugar y no por otro. Tener la posibilidad de trabajar en paralelo con o dentro del espacio expositivo enriquece el trabajo. Es fundamental tener en cuenta las dimensiones de la sala, el piso, los materiales, la luz, el color, la textura de las paredes, la dinámica del recorrido, la forma. Me interesa pensar que el espacio expositivo puede ser algo amplio y que no solo se reduce a un interior, sino que se sale para afuera> la calle, un parque, una medianera.

¿Cómo ves tu trabajo en unos años? ¿Hacia dónde se dirige tu evolución como artista?

Quiero seguir creciendo como artista, profundizando mi práctica. Me gustaría que mi trabajo siga circulando y llegando a más personas. Mis dibujos con estilógrafo surgen a modo de diario de viaje a Bolivia y Perú en 2013. Luego siguió Colombia y después México. Siempre tuve interés por conocer y viajar por países de latinoamérica. Espero poder seguir recorriendolos, ya que me interesa mucho la apropiación y economía de recursos, de utilización de espacio público que voy encontrando en ellos. Y muchas veces esto funciona como disparador para mis proyectos.

¿Cómo visualizas el mundo del arte hoy en día? Especialmente durante esta pandemia.

Actualmente siento que todo está pasando por los medios digitales. Durante la pandemia las redes se están aprovechando al máximo para hacernos llegar a nuestros hogares la posibilidad de escuchar en vivo charlas, recorrer museos, participar en talleres virtuales, formarnos. Aunque también espero con ansías el momento de poder volver a encontrarme en vivo con una obra, poder observar de cerca su materialidad, otra presencia diferente de la pantalla del celular o la computadora.

▼ CONVERSACIONES EN CUARENTENA - LEONORA SERRA

¿Qué influencias tempranas tuviste con respecto al arte?

Definitivamente fui influenciada por la pintura. Pienso que he construido relaciones a largo plazo con artistas que han moldeado la manera en la que veo el arte. Uno de los primeros que significó en mi propio trabajo es Bonnard con quien tengo una relación totalmente romántica, pero sin duda la más significativa es Helen Frankenthaler quién es una especie de oráculo.

¿Cómo definirías técnicamente tu trabajo?

Mi trabajo se concentra en investigar la diversidad de formas de hacer jardín a través de la plástica. Se basa en explorar las posibilidades pictóricas existentes en estructuras duales: interior y exterior, luz y sombra, expandido y acotado, natural y artificial; para ello uso el contraste entre recursos opuestos como la representación figurativa y abstracta, la atmósfera y la materia, la paleta clásica de tierras y la gama industrial de colores brillantes y saturados, etcétera.

¿Cómo es tu proceso creativo cuando produces?

Busco en todas partes el motivo de mi jardín, siempre cambia. Cuando lo encuentro lo dibujo en pliegos de papel como si ya lo hubiera visto antes y tratara de acordarme como era, hasta que se convierte en algo particular. Después de eso ya siento confianza para pintar ese jardín, y aunque nunca se parecen entre sí, todos son el mismo recuerdo.

¿Qué tipo de documentación te ayuda en tu proceso creativo?

Casi lo encuentro todo en libros de arte, sobre todo de historia porque recopila en pocas hojas años de trabajo y regularmente son imágenes de por sí interesantes. También googleo algunas palabras e ideas para ver que cosas conectan los algoritmos de búsqueda. De un tiempo para acá guardo capturas de pantalla de cosas que veo en instagram, aunque no tengo un criterio específico para esta colección, últimamente han resultado ser flores.

¿Qué grado de planificación o azar hay en tu obra?

Rara vez planeo las composiciones pero si el número de piezas, soporte y formato de un serie de jardín. Esas elecciones son parte de lo que proponen conceptualmente las piezas.

Cuando seleccionas los materiales que usas en tu obra. ¿Qué es más relevante: la apariencia visual u otras cualidades como el significado simbólico, durabilidad, fácil manipulación?

Todas las opciones anteriores están conectadas, no creo que ninguna sea más relevante. Si le pongo especial atención al material es para asegurarme que visualmente corresponda al concepto de la pieza; si estoy buscando hacer contrastes de paleta busco que los colores y su materialidad evidencié esa intención, o si utilizo colores pastel para representar una vista más intuitiva e inmediata de un paisaje.

¿Hasta qué punto crees que la técnica utilizada condiciona la obra de arte?

La obra de arte como tal ya es un todo, entonces la técnica utilizada es parte sustancial de la pieza. La idea que se presenta en esa obra puede ser autónoma y en ese caso podría variar sin perturbar su esencia.

¿Tu obra se ha visto influenciada por el impacto del COVID-19?

Si, el hecho de permanecer en un solo espacio me ha permitido explorar otros motivos del jardín: el espacio delimitado que es más interior aún en la intemperie, o los jardines que no están compuestos por plantas ni tierra sino se construyen desde lo simbólico. Con relación a esos jardines pienso en el espacio doméstico, incluso en su oscuridad, lo que solía ser un espacio quieto se convirtió en un refugio que obliga a la introspección.

¿Consideras el espacio expositivo un material más para tu obra?

El espacio en que la pieza se desarrolla influye tanto como cualquier recurso, creo que el espacio expositivo le puede ofrecer otras posibilidades formales a la pieza.

¿Cómo ves tu trabajo en unos años? ¿Hacia dónde se dirige tu evolución como artista?

Como pintora quisiera experimentar con los formatos y soportes, explorar las posibilidades pictóricas exigentes en la representación de espacios.

¿Cómo visualizas el mundo del arte hoy en día? Especialmente durante esta pandemia.

Creo que este tipo de pausas a las que obliga la naturaleza son los momentos en las manifestaciones culturales reafirman su valor como espacios que invitan a reconectar con la propia naturaleza humana, y reflexionar en torno al sistema, incluso del mismo sistema del arte.